Intervju: Paola Korošec / Prostori odsevov
Paola Korošec se je predstavila z izborom del zadnjega desetletja na razstavi Prostori odsevov, v Bežigrajski galeriji 2 med 7. februarjem in 28. marcem 2018. Za dela akademske kiparke lahko rečemo, da so prostorske instalacije, dela ki velikokrat črpajo iz pomena prostora (zgodovinskega, družbenega, zaznavnega ...). Izbira pisave na zrcalni površini omogoča dojamanje jaza v prostoru kipa - jaz za gledalca ni zgolj odslikava (samo)konstruirane indentitete preko različnih znanj, mnej, programov, življenskih stilov ... ampak se subjekt z odslikavo odseva na površini kipa sooča s samostojnim življenjem kipa in njegovo zgodbo. Le to ima v novejših delih močno družbeno noto, v starejših pa izčiščeno podobo osebne pisave/zgodovine avtorice.
Gala Alica Ostan Ožbolt: Naprej v krizo vrednot
Gala Alica Ostan Ožbolt
Smeri razvoja
TAM-TAM mestni plakati, Komenskega ulica, Ljubljana
28. marec – 2. april 2018
Naprej v krizo vrednot?
O umetniškem projektu
Umetniški projekt dijakinje četrtega letnika bežigrajske gimnazije Gale Alice Ostan Ožbolt z naslovom Smeri razvoja, v ulični galeriji TAM-TAM predstavlja šest nedoločenih portretov na enotnih zelenih ozadjih, ki jim je avtorica pripisala javne izjave t.i. slovenske elite o tem, kako bi sami uredili polje družbe in kulture. Pod portreti tako najdemo izjave naslednjih oseb:
- Zdenko Počivalšek, minister za gospodarstvo: »Kdor ne dela naj ne je«, 2018,
- Aleš Canaterutti, državni sekretar na gospodarskem ministrstvu: »Smer razvoja Slovenije določa kapital«, 2018,
- Dušan Šešok, slovenski ekonomist in pogajalec s sindikati: »Ukinimo minimalno plačo, pa naj trg regulira plače. Pa naj začnejo delat za 400 € bruto, pa naj se dokazujejo«, 2013,
- Ivan Štuhec, teolog: »Če so otroci lačni, potem so nesposobni njihovi starši, vzgojitelji in učitelji, dedki in babice in vsi okrog njih, ki nimajo niti toliko zavesti, da bi se obrnili na dobrodelne ustanove«, 2013,
- Žiga Turk, nekdanji minister za šolstvo, šport in kulturo: »V neoliberalizmu nihče ne izkorišča nikogar, ker so vsi posli prostovoljni in zato v obojestransko zadovoljstvo«, 2014 in
- Bojan Gantar, direktor Alpine: »Moj glavni cilj je, da bodo delavci namesto o strahu in obupu razmišljali o čevljih«, 2018.
O sicer privlačnih risbah lahko rečem, da so portreti videti karakterni. Obvladanje obraznih značilnosti se ne kaže popolnoma v celoti, saj na določenih delih (npr. lasje, rez vratu in ram ...) delujejo nekoliko nesproščeno in nedorečeno. Z rahlo stiliziranim, pritanjenim poudarjanjem obraznih značilnosti in nedoločenim čustvenim izrazom pa se avtorica odmika od karikature in se približuje slogovnim portretom Egona Schieleja oziroma Luciana Freuda.
Izhodišča in porajajoča vprašanja
Ob vsebini umetniškega dela želim izpostaviti nekaj morda širših misli, delo služi kot izhodišče za moje razmišljanje, ki se navezuje na izjave in slovensko politično sceno. Na vprašanje, ali je namen umetnosti tudi intervencija v sočasna dogajanja v družbi – je odgovor pritrdilen. Ni njen namen, da posnema strukture politike, je pa vsekakor eden izmed smotrov, da izpostavlja razmislek o trenutni družbi in vpeljuje vsebine, ki se jim morda ljudje izogibamo. V zvezi s sopostavitvijo portretov ob izjave ne moremo neposredno reči, da je projekt ilustrativen, ker so portreti brezimni – v tem primeru smo to mi, ki hodimo mimo in lahko samo strmimo v plakate. Strmenje je tisto mesto kjer se med gledalcem kot portretom in izjavo, ki ni njegova, ampak se ga vseeno tiče, vzpostavlja vez, ki je deduktivna: »Kar lahko delajo drugi, lahko tudi mi«.
Dedukcija kot jedro težav
Ta dedukcija povezuje elite s sistemom vrednot. Pomebno je, kakšne vrednote elite s svojim izjavljanjem vzpostavljajo kot zgled za vse nas. Če vrednot nimajo in jih ustvarjajo z razvrednotenjem drugih, potem se to kaže kot kriza vredot. Če je uspešno gospodarstvo politična smer razvoja države, potem njeni voditelji kažejo svojo nesposobnost v izključevanju panog, s katerimi se niti niso trudili razpravljati na državnem medresorskem nivoju. Delujoče politične elite naj bi z izjavljanjem vzpostavile vrednote družbe, ki se dotikajo vseh državljanov. V tem primeru morajo biti izobražene, saj bi od njih pričakovali izjavo, da sta umetnost in kultura vrednoti sami po sebi, ki na osebni ravni bogatita vsakega prebivalca in sta gradnik skupnostne identitete. V naspotnem primeru se izključuje vrednote, ki jih določen plan ekonomije in gospodarstva ni uspel prepoznati. In v tem leži jedro problema. Težava političnih elit je v kritiki delovanja drugih z namenom, da bi jih izključili.
Z zbranimi izjavami na plakatnih mestih je Gala Alica Ostan Ožbolt ustvarila svojevrstno družbeno intervencijo. S kombinacijo brezimnih obrazev in javnih izjav slovenskih vladnikov prevprašuje njihovo nepremišljenost in dekadentnost. Lahko si postavimo vprašanje ali se njena umetnost približuje političnemu aktivizmu ali se politični aktivizem približuje njeni umetnosti in upamo, da jo kmalu spet srečamo.
Zoran Srdić Janežič
Stella Hamberg: À travers la tête
Galerija EIGEN + ART, Berlin; 9 novembra – 20. decebra 2017
Naslov razstave letos ustvarjenih kipov Stelle Hamburg v galeriji Eigen + art v Berlinu z naslovom: À travers la tête bi lahko razumeli dobesedno Skozi glavo ali kot gib/gibanje glave, pri čemer à travers označuje gibanje, ki se uporablja pri dresuri konj. Na razstavi je predstavljenih šest del. Prvo, ki pričaka že na vhodu v predverju galerije, je poimenovano kot Geist (Duh/Strah) - mavčni kip na stojkah iz hrastovih desk in polen. Avtorica je podobo glave oblikovala po najdeni afriški maski, pri čemer pride do izraza njena tehnika modeliranja z mavčnimi nanosi. Na oblikah kipov se vidijo sledi prstov, udarcev in rezov z dleti, grafičnega zarisovanja z iglo, izvrtin, zaglajenih in zbrušenih površin ter ostrih prehodov. Robatost gradnje in stilizirana zaobljenost obraza s sploščenim nosom deluje monumentalno.
Avtorica ne skriva način gradnje tudi s tem, da odprtine na vrhu temena ne zapolni popolnoma, s čimer razkriva votlost mavčnega kipa. Tu je mogoča povezava z naslovom rasztave, ki pa se dejansko razkriva v več kot dva metra visokem istoimenskem torzu iz brona. Torzo ter preostli štirje kipi so postavljeni v osrednjem kletnem delu galerije. À travers la tête, črno patinirani torzo brez glave je antropomorfna oblika sestavljena iz več pogledov na en del telesa. Zglajene oblike zunanjih površin telesa se proti notranjosti grobo, stopničasto lomijo. Podvojitev stopal ter celotne kompozicije ustvarja figuralno kompozicijo telesa v različnih pozah. Namišljeno gibanje si gledalec ustvarja s potovanjem pogleda po figuri, ko se premika okoli nje. Med obema deloma telesa, ki delujeta kot dva stebra, je zev. Ustvarja negativen prostor, ki pripomore k navideznemu učinku gibanja pa tudi k pomenjskemu manjku glave.
Še dva kipa v prostoru sta kos lesene ograje Robinie ter abstraktna antropomorfna oblika, ki bi lahko spominjala na prisotnost nečesa (meta)fizičnega, kar je avtorica poudarila tudi z naslovom Halo, ter v oklepaju Erlkönig, s čimer se neposredno veže na Goethejevo istoimensko pesem v kateri vilinska kraljica vzame življenje dečku, ki jaha z očetom skozi gozd. Oba kipa sta postavljena visoko v zrak na zvarjenih trinožnih podstavkih.
Mitsko vsebino podpirata tudi na tleh postavljena mavčna kipa das subjektive Ich (Ta subjektivni jaz) ter Spuren vermeiden (Izogibanje sledenju), ki s svojo razgibano, razdrobljeno gradnjo spominjata na prostostoječe draperije kot podobe duhov. Predvsem Spuren vermeiden, konstrukcija oblike iz mavca z razkrito leseno konstrukcijo, je kip, ki s svojo nezaključeno, vizualno nezamejeno ostro obliko sega v prostor in se v njem širi. Fragmenti oblike so grobi, nestilizirani in neestetizirani, negativni prostori, ki jih kip ustvarja, razkrajajo prostor in ustvarjajo različne naracije. Če bi želeli imenovati antropomorfnost v tej obliki, bi bila ta najbližje odstonosti fragmentov telesa - kot da bi nevidno stopalo prekrila tkanina in s tem razkrila njegovo skrivnostno prisotnost.
Na splošno, bi lahko dela Stelle Hamberg označili za figurativna. Izpred več kot deset let se spomnim njenega bronastega držala s krpo za pomivanje tal, ki ga je avtorica prislonila ob steno galerije. Meni osebno blizu prevpraševanje čistega/nečistega ter vrednega/manjvrednega je kasneje nadaljevala s figurativnimi motivi, za katere bi lahko našteli vrsto referenc iz nemškega okolja in tudi historičnih iz francoskega okolja z navezavo na Alberta Giacomettija ter zgodnejšega mojstra Antoina Bourdella z ekspresionističnim slogom, velikimi očmi ter mitološko vsebino. Kasneje je začela razvijati slog, kjer se antropomorfne oziroma zoomorfne oblike razpolovljenih fragmentov podob sestavljajo v gibanje. Lahko bi jih poimenovali za bitja, še najbolj podobna spominu na podobe, vsebinsko povezane z delom Hansa Ruedija Gigerja.
ZSJ
Vsekakor so dela Stelle Hamberg monumentalna in veličastna, pri čemer avtorica poudarja učinke velikosti, materiala ter načina gradnje. Stilsko so izrazito ekspresivne ali pa popolnoma nedoločene, kot da lovi (ne)pristonost (ne)česa v prostoru. Figure in torzi so stilski elementi, ki za avtorico določajo stanje mirovanja ali gibanja. Vsako delo lahko občudujemo posamezno ali pa v skupini zaznamo občutek tesnobe (npr. iz omenjene Goethejeve pesnitve).
O avtorici: Stella Hamberg (1975) je rojena v Friedbergu v Nemčiji. Študirala je na akademiji HfBK v Dresdnu, kjer je zaključila magistrski študij pri prof. Martinu Honertu. Živi in ustvarja v Berlinu.
Intervju z Dragico Čadež
Z Dragico Čadež, letošnjo prejemnico nagrade za življensko delo ZDSLU: sekcije kiparjev in umetnikov, ki delujejo v javnem interesu, smo naredili kratek pogovor.
O nagrajenki je predsednik komisje, Sarival Sosič, v obrazložitvi nagrade zapisal:
Akademska kiparka Dragica Čadež sodi med prve slovenske umetnike/ce, ki so se posvečali skulpturi kot odprti formi, razširjajoč jo v prostor, kjer je gledalcu omogočeno potovanje ne samo ob skulpturi, ampak tudi skoznjo. Natančen pregled in analiza vseh pomembnejših del akademske kiparke Dragice Čadež, razporejenih v kiparske cikle, dokazuje veliko pestrost avtoričinih umetnin. Umetnica je leta 1963 diplomirala iz kiparstva na Akademiji za upodabljajočo umetnost v Ljubljani pri profesorju Borisu Kalinu. Dve leti pozneje je istem profesorju končala podiplomski študij. Leta 1982 je postala prva kiparka v Sloveniji z nazivom docent. Kot redna profesorica je poučevala na Pedagoški akademiji v Ljubljani in pedagoški fakulteti v Mariboru. Ustvarjanje v keramiki je Dragica Čadež v zadnjih letih poučevala tudi na Akademiji za likovno umetnost v Ljubljani. Pripravila je vrsto samostojnih razstav in sodelovala pri mnogih skupinskih razstavah doma in v tujini. Ustvarila je tudi nekaj javnih spomenikov. Prejela je vrsto nagrad, med drugim leta 1963 študentsko Prešernovo nagrado, leta 1973 nagrado Zlata ptica, leta 1983 prvo nagrado na ex aequo na 2. Pančevački izložbi jugoslovenske skulpture, leta 1986 nagrado Prešernovega sklada, leta 2003 Žagarjevo nagrado na življenjsko delo v vzgoji in izobraževanju in leta 2007 županjino nagrado za kiparstvo. Leta 2004 je dobila naziv 'zaslužna profesorica za kiparstvo' Univerze v Ljubljani. Leta 2006 je ustanovila Sekcijo za keramiko pri ZDSLU in spodbudila ustanovitev I. mednarodnega trienala keramike UNICOM 09. Aktivno je sodelovala pri vseh naslednjih trienalih. Septembra letos (2017) je dobila povabilo in kot prvi predstavnik iz Slovenije postala član tudi International Academy of Ceramics - IAC s sedežem v Ženevi. Dragica Čadež Živi in ustvarja v Ljubljani.
Pri odkrivanju sveta oblik in odnosov ter raziskovanju struktur in vizualnih možnosti si je kiparka za materialno bistvo svojega ustvarjanja izbrala predvsem les, v zadnjem obdobju pa tudi glino. Dragica Čadež gotovo sodi med najvidnejše slovenske umetnike sploh; kot ženska kiparka si je s svojim obsežnim opusom pridobila v slovenski zgodovini in še posebno v slovenski likovni umetnosti najodličnejše mesto. Njena ustvarjalna moč je ogromna, veselje do umetniškega izražanja iskreno in sproščeno, predvsem pa neposredno in nesebično ter silovito zapisano v likovni oziroma umetnostnozgodovinski spomin.
Dark Habitats Dark Ecology / Temna okolja, temna ekologija
Spektrum je projektni prostor ter platforma po načelu DIWO (naredi z drugimi) v berlinskem okrožju Neukölln. V njem potekajo različni umetniški dogodki s področja intermedijske umetnosti: od predavanj, par dni trajajočih razstav, koncertov, zvočnih dogodkov, delavnic in maker laba. Združuje različne kroge ljudi po principu skupnih interesov v raziskavah, ki jih vodijo občani (people's science). Od laboratorija, ki se ukvarja s prepoznavanjem vonjav v mestu, do ustvarjanja baze človeških gibov ter kodiranja in hekanja znanosti. Zanimiv programski koncept in nudenje prostora ter strokovne podpore zainteresiranim izpostavlja Spektrum kot prostor združevanja posameznikov v skupine, ki so jim blizu odprte platforme, diskurzi, raziskave in izvedba umetniških del v prešivnem polju znanosti in tehnologij.
Na večdnevnem dogodku Dark Habitats Dark Ecology (Temna okolja, temna ekologija), ki je potekal med 8. in 11. junijem 2017 je bilo možno videti tematsko razstavo in performanse ter se udeležiti sprehodov z laboratorijem vonjav, delavnice fermentacije ter bio-aktivizma (izdelave semenskih bombic). Dogodek je sklepni del širšega projekta Dark society, ki je potekal v štirih delih znotraj vsebinskega okvira kustosa Alfreda Ciannamea. Osnovni koncept razstave se ukvarja z delitvijo človeškega napredka in ekologije na dve včasih popolnoma nasprotni naravi obstoja.
Na razstavi je sodelovalo 10 umetnikov, ki so bolj ali manj posrečeno izpostavljali svoje umetniške poglede na temno ekologijo.
******
Med manj posrečenimi projekti je delo Benjamina Grafa: Seedbomb.city, izdelave kroglic iz gline s semeni, ki jih vržemo po mestu in tako spodbujamo rast raznovrstnih rastlin. Zelo preprosto zamisel, ki se ponaša z idejo aktivizma, je v svojih delih na različnih razstavah ter umetniških festivalih predstavilo že veliko ustvarjalcev. https://www.seedbomb.city/
Nekoliko neposrečen je tudi projekt Matthiasa Fritscha: Ecopolis. V idejni zasnovi popularen koncept samooskrbe v stanovanju, v katerem umetnik dejansko ponuja načrt dnevnih rutin, ki naj bi jih opravljal vsak posameznik od gojenja humusa v plastičnih vrečkah za smeti sredi dnevne sobe, uporabe urina ter iztrebkov za gnojilo, lastne hrane na okenskih policah ... Umetnik je na razstavo dodal še 13 pravil dnevnih rutin samooskrbe (Ustvarjajte humus in dajajte zemlji nazaj ogljikov dioksid / Zbirajte urin in iztrebke in jih vračajte na polja / Izogibajte se živalskim produktom / Delujete lokalno in jejte rastline iz svoje soseščine / Kuhajte in predelujte svojo lastno hrano / Ustvarjajte in varčujte z energijo, kjerkoli živite / Uporabljajte svoje lastno telo za transport / Pazite na čisto okolje / Izogibajte se plastiki in škodljivim materialom / Vzgajajte, delite in ponovno uporabljajte / Po pameti trošite svoj denar / Nadaljujte z vseživljenjskim učenjem / Bodite hvaležni da ste živi in spoštujte življenje okoli sebe). Projekt se osredotoča na razvoj urbanih območij, ki bi lahko bila življenjski prostor večine človeške populacije v stilu popularnih filmov Metropolis (1927), Soylent Green (1973), Mad Max Beyond Thunderdome (1985), Sound of My Voice (2011) ... Kljub temu, da je projekt v veliki meri podcenjujoč ter moralističen (brez refleksije ideoloških mehanizmov), pa se mislim, da bi se morali strinjati, da umetnik ne daje navodil (ideologije) temveč zgled. Morda mu ne bi mogel vsak po svojem razmišljanju slediti, bi mu pa v skupni skrbi in za slog zaploskali. http://www.technoviking.tv/subrealic.net/
Michaela Anga v svojem delu Dune Field Modulator (svetlobni modularno sestavljeni objekti ter video) zanimajo odnosi med človekom, objektom (modulatorjem sipin) ter pokrajino (puščavo Gobi). Svetlobne objekte je postavil v pesku in toliko odkorakal, da je lahko zaznaval spremembe v puščavi preko svoje pozicije glede na objekt. S premikanjem po puščavi nastane hipen svetlobni prostor med uporabnikom, modulatorjem in okoljem. Umetnik je modulator zasnoval kot nomadsko tehnologijo, ki jo je lahko prenašati ter sestavljati na terenu. http://www.michaelang.com/
Ivan Henriques v svoji instalaciji Microscope Light Machine predstavlja DIY laserski mikroskop, ki z različnimi odboji svetlobe preko prizm ter leč prikazuje projekcijo mikroskopske biotske raznovrstnosti v kapljici vode. http://ivanhenriques.com/
Delo z organskimi materiali, ki jih je možno preoblikovati, je bilo popularno v 90. letih, zaradi česar je zanimiv tudi projekt Therese Schubert: Morphological Twists, kjer v printih in videu sledimo njenemu tetoviranju gob, ki z nadaljno rastjo ustvarjajo nove oblike oziroma (geometrične) vzorce, ki temeljijo na spremenjenem organskem materialu. Umetnica tetovira na mlade kape bukovih ostrigarjev, šampinjonov, topolovih njivnic, šitak in orjaških dežnikov, ki se z rastjo spreminjajo, kar beleži kot proces. Končna podoba ni organski material, tetovirana goba, ampak grafična reprezentacija morfološkega spreminjanja vzorcev. Na razstavi se predstavlja tudi z video delom Survival, kjer je uporabila pri hekerjih popularno enocelično (sluzasto) plesen Physarum polycephalum, za vzgojo na agar agarju, kjer do izraza pridejo njene micelijske mreže, ter preprost prikaz njene sposobnosti učenja. Post medijska umetnica je vsekakor biofascinacijo (v prvem opisanem delu) transformirala v sodoben izraz, kjer jo lahko pogojno imenujemo za soavtorico spreminjanja oblik z gobami. http://theresaschubert.com/
Določena biofascinacija je vidna v video delu Acci Babe: Exodus, ter dokumentarnim objektom raziskave. Eksperimentalni film prikazuje gibanje mravelj po visečem kolinerano sestavljenem lesenem modelu na katerem so kaplje sladkane vode, ki umetno ustvarja ekosistem za njihovo preživetje. Po določenem času se mravlje zavejo, da hodijo po neskončni poti, ker na njej ostanejo njihovi lastni feromoni, ki omogoča sledenje. Takrat se ena odloči pobegniti iz nasičenega sistema in druge ji sledijo. Na površni tal nato nadaljujejo hojo v krožni zanki. Umetniško delo prikazuje strukturno vedenja mravelj, formulo oziroma vzorec, ki ga ta tvori glede na nasičen, zaprt in umetno ustvarjen ekosistem sprehajališča za mravlje. Makro podobe mravelj ter estetizirana asketska podoba črnih mravelj na belih poteh in modrem ozadju so impresivne. http://accibaba.com/
Zelo zanimiv je projekt, ki se ukvarja z raziskavo digitalnih kripto-valut, umetno inteligenco, ki upravlja pogodbe ter z reprezentacijami naravnih virov (gozda) preko tehnoloških pogledov. Skupina treh umetnikov, sošolcev, je razvila projekt Terra0, v katerem so kupili zemljišče gozda, ki ga s pametnimi pogodbami upravlja umetna inteligenca. Rast gozda naj bi v prihodnosti spremljali droni, robotski mehanizmi, sateliti in zagotavljali dokumentacijo, s katero bi občasno ugotovili, koliko lesa se lahko proizvede in prodaja. Umetna inteligenca, ki je poenotena z gozdom, se s sklenjenimi pametnimi pogodbami zaveže lastnikom, ki bi pristopili k projektu, da obračunava svojo produktivno silo / proizvodnjo glede na količino polen, ki jih lahko proda. Z ustvarjenim dohodkom bi gozd kot nečloveški organizem sčasoma izplačal dolg podoprnikom projekta in postal edini delničar lastnega kapitala. http://www.terra0.org/
V delu Margherite Pevere: Placenta lahko sledimo celotnemu živemu organizmu v instalaciji, kjer avtorica ustvarja hibridno telo simbioze ocetno kislinskih bakterij v celulozni membrani z rastjo na najdenih tehnoloških relikvijah - v primeru razstave na mehanizmu odpiranja predalov mize. Črpalka, ki pretaka kolonije bakterij preko membrane nazaj v hranilno tekočino, omogoča funkcionalni sistem mikrobne celuloze, ki postopoma prekrije predmete-relikvije, pri čimer ovoj spominja na kožo. Kamera, usmerjena v zaprt sistem mikroogranizmov, kaže prosojnost, ki na koncu postane zamegljena ob zgoščevanju celuloznega ovoja. Ker pa je celuloza prosojni material, je še vedno vidno prosevanje okoljske svetlobe, ki daje celotni instalaciji občutek organskosti. Če upoštevamo naslov dela, potem lahko Peverina pósteljica ali placénta kot organ, ki obkroža tehnični/tehnološki artefakt, omogoča, da samo umetniško delo beremo tudi kot kritiko medsebojne odvisnosti med živimi ne-človeškimi organizmi znotraj ustvarjenih okoljskih sistemov, ki jih imenujemo kultura/kulture. http://www.margheritapevere.com/
*****
Tematika temne ekologije se kaže kot stara vsebina v novi preobleki: kolikor je napredek človeštva (v tehnologiji) stremenje k svetlobi (znanju), je na drugi strani prav tako veliko temno brezno (ki se ga dostikrat označuje kot neznanje in zlo). Če nekoliko preskočimo razne bližnje in daljne tehno-apokaliptične napovedi distopične in ostale znanstveno fantastične prihodnosti, kot jih v svetu popularnih medijev proizvaja filmska industrija in javni mediji (ki kažejo predvsem rekonstrukcijo sedanjega sveta in njegovih tesnob preko trenutnih občutij), pa lahko v razmislek vzamemo obstoj domnevne vrste temne snovi v vesolju, ki je ni moč zaznati po oddanem sevanju. O njenem obstoju se sklepa zgolj na podlagi gravitacijskih vplivov na vidno snov. Temno je tisto neznano, ki nima potrebe po razsvetlitvi, saj se s tem izgubi njegov fenomen, ampak se mu je potrebno prilagoditi, da ga lahko preučujemo.
Kuratorski pogled na temne ekologije izpostavlja neodvisnost mehanizmov ekologije od človeških vrednot, etike in vizij in izpostavlja vprašanje posegov v naravo, ki tvegajo planetni propad. Kljub temu, da je osnovno razmišljanje tako zelo popularno, komercialno in brez odnosa do političnih ideologij, ki se preko promocije zdravega življenja, ekologije, vrednotenja vsega obstoječega preko človeškega življenja kažejo zgolj kot drugo lice neoliberalizma – pa ne moremo mimo tega, da kustos vseeno prepušča besedo umetnikom, ki v času sodobnih tehnologij iščejo alternativne načine za razmišljanje o svojih izkušnjah. Uporabljajo znanje in procese, izposojene iz raziskav v laboratorijih, ki vključujejo polja biologije, oblikovanja, urbanega vrtnarjenja, zdravja, migracijskih struktur, urbanizma ...
Zoran Srdić Janežič
Senčna stran Neuköllna
48 Stunden Neukölln je največji neodvisni festival umetnosti v Berlinu, ki je letos praznoval svojo polnoletnost. Od ustanovitve leta 1999 se je festival razvil v platformo, preko katere se predstavljajo umetniki z različnih področij in z različnimi oblikami sodobnega umetniškega izražanja (od filma, glasbe, uprizoritvenih umetnosti do širokega spektra vizualne umetnosti: videa, kipov, instalacij, slik, fotografij, grafik do grafičnega oblikovanja ter arhitekture). Festival je lokacijsko omejen na področje Neuköllna v Berlinu, kjer ima zaradi včasih nižjih najemnin možnost ustvarjati veliko umetnikov, ki se predstavljajo v svojih odprtih ateljejih, skupaj s prijatelji. V galerijah, projektnih in javnih prostorih kot so prodajalne, kavarne, mrliške vežice ipd. pa se predstavljajo tudi umetniki z drugih koncev Berlina, iz Nemčije ter drugih držav. V 48 urah se tako po okrožju Neuköllna potika po več kot 200 prizoriščih okoli 70.000 obiskovalcev in ljubiteljev umetnosti. Prizorišča so označena z zastavami, plakati in puščicami Hier is kunst (Tukaj je umetnost). Na prizoriščih obiskovalce čaka festivalski časopis, materiali umetnikov in sporočila za javnost..
Festival je alternativa večjim festivalom in komercialnim, bolj uveljavljenim ter profesionaliziranim galerijam, ki pokrijejo le del globalnega/nacionalnega/lokalnega ustvarjanja – omogoča predstavljanje lokalnih ustvarjalcev in tako podpira razširjeno področje umetnosti.
***
Umetniška produkcija je namenjena predvsem predstavitvi na festivalu. Tematika se je nanašala na sence kot pojav in tudi kot metafora in ideja. Zdi se, da živimo v času, ko se končuje ekspanzija skupnosti raznolikih družb in se začenja njen razkroj. Družbene in politične spremembe se pojavljajo v temnih sencah negativnega populizma, ki izpostavlja strah in napetost. Za primerjavo lahko vzamemo Platonovo prispodobo v votlini živečega prebivalstva, ki mu je zaradi strahu (ter še vedno dostopnega udobja) lažje gledati igro senčnega gledališča kot pa oditi proti svetlobi zunaj.
Če pustimo ob strani naracije, ki jih lahko prinašajo sence v obliki sporočanj mračnejših družbeno-političnih tem, pa ne moremo mimo tega, da so sence resnične projekcije objekta, različno temne površine (glede na to ali je projekt prosojen ali ne). Sporočajo različne informacije – glede na svetlost in dolžino sence določimo, kateri del dneva je na fotografiji ipd. Senca valja (objekta) je tako lahko z ene strani krog, z druge pa kvader in če se nanašamo samo na eno projekcijo, lahko izgubimo uvid o drugih pogledih. Sence pa so kot tematika festivala zgolj širši ohlapen okvir, ki so ga sami organizatorji poskušali zamejiti v nizu nekaj razmišljanj ter prepustili izvedbo posameznim udeležencem.
***
V projektnem prostoru Cherie se z razstavo, ki sta jo kurirala Adi Yaakov in Ayala Gazit predstavljajo Itamar Inbar, Hiroyasu Tsuri, Morgan Sanderovich, Roi Weistein in Stefan Röslmair. Z razstavo z naslovom Senca resnice, ki izhaja iz stavka v hebrejščini צל של אמת, se kustosa nekoliko nepovezano in metaforično lotevata tem trenutnega apokaliptičnega časa, v katerem naj bi živeli zahvaljujoč nevidni politični tiraniji, ki pa za vogalom vseeno meče senco. Izpostavljata vprašanje resničnosti, demokracije in percepcije posameznikov in mnenj, ki se pojavljajo v družbi. Dela lepih umetnosti z razstave pa se morda le bežno in niti ne družbeno angažirano lotevajo teh tem. Še najbližje sta jim Roi Weinsteina ter Stefana Röslmair v Silhuete 2017, avdiovizualnem delu sedmih pesmi, kjer se osredotočata na projekcije akrobatskih belih figur, ki jih projicirata preko vrtečih ptičjih kletk na steno v ozadju. Nekoliko nevrotično v iskanju lastnega izraza je tudi koreografija Morane Sanderovich, ki se v videu ter instalaciji Flesh Flag oblečena v doma narejeni kostum iz rafije ter naivno izdelano masko meče po snegu s čimer naj bi preko grozljivosti skušala ustvariti naracijo hibridnih teles med človekom in fikcijsko kreaturo.
Maske ter slike nošenja mask predstavlja tudi umetnik Paco Vallejo ter koordinator projektnega prostora E116, v katerem je predstavljena tudi druga produkcija tekočih projektov rezidenčnih in gostujočih umetnikov od izbora video posnetkov, keramičnih skulptur, slik, digitalnih projektov do umetniških knjig. Med zanimivejšimi deli bi izpostavili dizajnirane podobe iz zgodovine umetnosti, Juana Carlosa Rose Casasole. V delu Smartpaints podeljuje vloge podobam kot je Vermeerjevo Dekle z bisernim uhanom, ki je predstavljena kot ozadje na pamentnem telefonu z ikonami aplikacij.
V projektnem prostoru Kunstverein Neukölln, ki predstavlja skupinske razstave sodobne umetnosti, so bila predstavjena dela štirih umetnikov: Cathérine Evans in Piotr Petrus, Kati Gausmann in Yuni Kim. Z istoimenskim naslovom razstave The presence of absence, ki jo je v preteklem letu v Berlinu imel Olafur Eliasson, so avtorji predstavljali svoj pogled na senco kot na efemerno pojavno obliko umetniškega zapisa. Fenomenu sence se približujejo na fizičen in razmišljujoč način ter skozi pojave senc odražajo različne stopnje časa in realnosti. Dela predstavljena na razstavi so tako v obliki zapiskov in študij (mdr. zgodovinski primer merjenja obsega zemlje starogrškega matematika, geografa in astronoma Eratostena), v obliki dokumentarne umetniške fotografije, na kateri so obrisi kamnov, ki so ostali po dnevu metanja senc (oboje Kati Gausmann), instalacije in fotografije kamnitih struktur s kamni (Catherine Evans ter Piotr Pietrus) ter v preprostih instalacijah in fotografijah metanje senc ter odbleskov preko tihožitij s steklenicami (Yuni Kim).
Projekt izraelskega fotografa, video in audio umetnika Bena Livnea Weitzmana je v najetih kletnih prostorih predstavljal fotografije brez objektiva ter videoprojekcijo preko starega zrcala, da bi dobil vtis kamere obscure; na videu je kader odboja podobe dreves v parku iz luže. Projekt je sicer nekoliko tradicionalen že v izhodišču, kjer avtor izpostavlja pomen Benjaminovega spisa O pojmu zgodovine ter primerja svoje delo s Kleejevim Novim angelom, ki mu je pripadnik Frankfurtske šole posvetil esej.
V projektnem prostoru SomoS so na ogled intermedijska dela skupinske razstave Neues Dasein, v kateri so štirje mednarodni umetniki postavili performativne instalacije, da bi raziskali človeško interakcijo in simulacijo. Kalle Kuikkaniemi v delu Čakal je na vlak in ne boste verjeli kaj se je nato zgodilo predstavlja malo maketo železniške postaje ter virtualen sprehod z VR očali, s katerimi se obiskovalec orientira v prostoru železniške postaje, kjer se nič ne dogaja. V dvokanalnem video delu se ameriška umetnica Miriam van Beurden osredotoča na fenomen sramu, ki se kaže kot občutje strahu pred izobčenjem. V temnih estetiziranih intervjujih šestih s profila posnetih oseb se umetnica osredotoča na njihova čustva. Celotna razstava odraža kulturo digitalne izolacije, dolgčas in razočaranje nad virtualno stimulacijo.
Med znanimi ilustratorji je Mateo Dineen v svojem galerijskem prostoru Skallywag predstavljal kup svojih prijaznih pošasti ter novejše skice. Med ilustracijami pa je vredno izpostaviti tudi dela v Berlinu živeče italijanske umetnice Daniele Spoto, ki je v kavarnici predstavljala svoje preproste figure, ujete med naravo in mestom, med nadrealističnimi maskami ter udobjem ležanja v kadi.
***
Obisk umetniškega festivala 48 Stunden Neukölln predstavlja dela tako prebivalcev tega okrožja kot širok izbor mednarodnih umetnikov. Berlin je po zaslugi (še vedno) ugodnega življenja glede na druge evropske prestolnice tako tudi središče mednarodne kulturne scene. Na festivalu vrata svojih ateljejov odprejo lokalni umetniki, ki svojim sosedom ter drugim pokažejo, s čim se dneve zapored ukvarjajo. Čeprav lahko nekaterim pripišemo zanimanje za določen slog iz preteklosti, so njihove predstavitve dostikrat prijetna presenečenja, ko sredi umetniškega ateljeja/doma sedijo in berejo poezijo ali prepevajo ob igranju kitare, ponujajo čaj in piškote. Sem sodijo tudi skupnostni vrtovi, v katerih skupaj organizirajo razne dogodke od učenja vrtnarjenja do malih koncertov in branja poezije. Drugi model so projektni prostori, ki jih v vhodnih poslovnih prostorih ali stanovanjih najame umetnik ali skupina, ki nato v njih ustvarja ter prireja razstave in umetniške dogodke ter si ustarja krog obiskovalcev. Tretji model so galerijski prostori v (lesnih, strojnih, keramičarskih, umetniških) delavnicah ter komercialni projektni prostori, ki bodisi oddajajo projektne prostore za rezidence bodisi organizirajo kurirane razstave. Pri slednjih, ki dostikrat predstavljajo dela vrhunske izvedbe, ima gledalec občutek visokih ambicij prodreti še globje v svetovno umetniško ter institucionalno sceno, ki pa je za razliko od predstavljene na omenjenem festivalu ponavadi delana z veliko večjimi vložki, tehnično in oblikovalsko izpiljena ter včasih tudi bolj dolgočasna.
Kakorkoli, festival omogoča raznovrstno predstavitev in prijazen, demokratičen dogodek še neodvisne umetniške scene v Berlinskem okrožju Neukölln. Festival je s svojo zgodovino že krepko stopil iz sence, v prihodnosti nas mogoče čaka njegova instituticionalizacija in upamo lahko da mu bo uspelo ohraniti odprtost in dobro voljo. Zaključimo v duhu Župančičevega prevoda škrata iz Shakespearovega Sna kresne noči:
Če vas sence smo užalile,
mislite, da vse to bile
so le sanje: da zaprli
ste oči, prikazni zrli.
In ker slabo to dejanje
vam kazalo je le sanje,
nas zato ne grajajte:
mi popravimo še vse.
Zoran Srdić Janežič
Dorian Gaudin: Obredi in posledice
Fotografije: z dovoljenjem Palais de Tokio
Palais de Tokyo: 3. februar – 8. maj 2017
V prostorih Palais de Tokyo v Parizu se s samostojno kinetično instalacijo predstavlja Dorian Gaudin: Obredi in posledice (Rites and Aftermath / Rites et après-coup). Do prostora z instalacijo se spustimo po širokih stopnicah, ki služijo tudi kot sedišča in nas spremenijo v gledalce spektakla. Na istem nivoju z instalacijo pa obstaja še drug vhod, ki nam omogoča pogled s strani. Zaradi različnih gledišč in oddaljenosti od umetniškega dela deluje glavni pogled uprizoritveno, strop pa ga okvirja v intimo, medtem ko pogled s strani deluje nekoliko vojersko, presenetljivo ter zaradi bližine predmetov bolj monumentalno.
Dela Doriana Gaudina se ukvarjajo z razmerji med predmeti, lastnostmi materialov, ustvarjanjem iluzije s spreminjanjem oblik ter percepcijo ponavljajočih gibanj, ki jih avtor bere kot družbene obrede oziroma kot razliko med živim/organskim ponavljanjem obredov ter mehanskim ponavljanjem avtomatiziranih gibov. V Obredih in posledicah sledimo procesu zvijanja kovinskega traku, na katerega lahko gledamo kot na mizo, okoli katere je postavljena množica kovinskih stolov, ki v nepredvidenih trenutkih poskočijo zaradi sprožene kovinske vzmeti na hidravlični pogon.
Eden izmed njih se kot samostojno umetniško delo zaletava s pritrjeno kovinsko cevjo v steno hodnika pri stranskem vhodu, ki vodi do dvorane. Zlato bronast kovinski trak je na dnu pritrjen s štirimi debelejšimi gumjastimi trakovi, ki mu omogočajo trdnost pri zvijanu. Trak je vpet v dva kraka mize, od katerih se eden premika k drugemu in s tem omogoča počasno zvijanje traku v višino in nazaj, medtem ko se drugi del mize obrača v levo in desno ter omogoča večje, navidez nekontrolirane premike zvitega traku vstran. Konstrukcija premičnega traku in stolov je namerno okorna in hrupna – kar daje nekakšen industrijski čar tej mehanski instalaciji. Poskoki stolov ter udarjanje traku ob konstrukcijo delujejo kot hipna zdramitev iz meditativnega procesa gibanja. Drugi elementi v dvorani so rezervoar za hidravlično tekočino, ventili ter lesene in kovinske podpore, ki omogočajo, da trak ne pade na tla. Omenimo še manjši samostojni mehanizem, ki s prožejem kovinske vzmeti po tleh kotali kovinsko cev.
Dorian Gaudin se je z mehanizmi in kinetično umetnostjo ukvarjal v času študija na Le Fresnoy leta 2012. V delu Brez naslova se kot okorna različica Transformerjev spreminjajo v različne podobe sestavljena gibajoča geometrična telesa. Zanimanje za mehanizme je nadaljeval v različnih delih: kot zanimivost omenimo delo Aging Beauty iz leta 2015 (galerija Jérôme Pauchant, Pariz), v katerem je uporabil znan gledališki mehanizem ustvarjanja valovanja z vpetimi različno obdelanimi debli ter razkritim verižnim pogonom. Verižni mehanizem je uporabil tudi na svoji prvi samostojni razstavi v Ameriki v delu Jettison Parkway leta 2016 (galerija Nathalie Karg, New York), kjer se kovičen kovinski trak premika na konstrukciji valja. Mehanizmi Doriana Gaudina se razvijajo od tistih, ki omogočajo različne postavitve med seboj povezanih oblik k lastnostim oblik, ki osmišljajo mehanizme. V delu Obredi in posledice si lahko zamislimo družabno večerjo v slogu filma Praznovanje (Festen, Thomas Vinterberg, 1998); ali pa svetopisemsko pripoved, v kateri si dogodki sledijo v nekem vrstnem redu in ustvarjajo napetost. Umetniška sporočilnost je izražena preko gibanja, ki je osnovna lastnost mehanizmov in strojev ter omogoča neskončne interpretacije dispozitovov. Umetnik s tem opozarja, kako nas fascinacija nad tehnologijo ter fetišizacija predmetov določa ter upravlja naša razmerja in odnos do sveta, v katerem živimo.
Dorian Gaudin v svojih delih izpostavlja dojemanje časa preko gibanja in mehanizmov: svoje postavitve si predstavlja kot sosledje trenutkov. Fizičnost premikajočih mehanizmov, ki temelji na lastnosti materialov, s katerimi dela, na različnih lastnostih oblik ter na različnih funkcijah mehanizmov – od natančnega konstruiranja pogonov do preprostih in okornih vzvodov – omogoča raznolike temperamente (kot jim sam pravi) ter različne dramaturške napetosti. Zanimivost pri pariški postavitvi je predvsem različnost dveh pogledov v dvorano kot različnih realnosti, kar se zelo lepo ujema z zamislijo, da je vsako partikularno gibanje povezano v celoto s proženjem drugih gibanj. Ker so dela Doriana Gaudina nekoliko okorna tako z robatimi predimenzioniranimi elementi kot tudi v zaključni izdelavi (npr. neočiščeni vari, neobdelan kamen kot protiutež) bi sicer lahko zapisali, da sledijo evropski tradiciji kinetične umetnosti in Fluxus performansov, vendar bi bilo to glede na današnji čas in kontekst umetnikovega dela neutemeljeno. Morda bi se na koncu morali vprašati, zakaj avtor vključuje določene nepotrebne objekte in ne zaključi fine obdelave, tako da njegova dela delujejo kot del načrtovanja, morda pripravljena na spremembe med razstavo. Zdi se, da nedokončanost izdelave ni konceptualno osmišljena, vsekakor pa ideja in izvedba delujeta bistveno bolj zanimivo kot nekatera dolgočasna in vsebinsko prazna preigravanja – ki jim v ozadju manjka prepričljiva umetniška nuja – ki se trenutno predstavljajo v Palais de Tokyo (npr. Taro Izumi: Pan in Emmanuel Saulnier: Black Dancing).
Zoran Srdić in Jana Putrle Srdić
Dorian Gaudin (1986, Pariz) je francosko-ameriški vizualni umetnik, ki živi in dela v New Yorku. Umetnost je študiral na the École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs in École Nationale Supérieure des Beaux-Arts v Parizu ter na Le Fresnoy Studio National des Arts Contemporains v Tourcoingu (Francija). Od zaključka študija leta 2012 so bila njegova dela predstavljena na skupinskih razstavah, v galeriji Clearing (New York in Bruselj), v galeriji Balice Hertling (2013) ter na Manifesti 11 (2016, Zürich). S prvimi samostojnimi razstavami se je predstavil šele nedavno v preteklem letu (v galeriji Nathalie Karg v New Yorku in galeriji Pact v Parizu). Poleg omenjenih galerij ga zastopa tudi galerija Dittrich & Schlechtriem v Berlinu.
Umetnikova stran: http://doriangaudin.com/
Dorotea Škrabo: Prepovedano fotografiranje
Fotografije: z dovoljenjem Projektni prostor Aksioma
Dorotea Škrabo - Škrabzi: Prepovedano fotografiranje
Aksioma | Projektni prostor; 22. marec – 14. april 2017
V projektnem prostoru Aksioma je do 14. aprila na ogled samostojna razstava Dorotee Škrabo – Škrabzi, ki prikazuje njeno najnovejšo produkcijo. V središču njenega zanimanja je virtualni svet spletnih komunikacijskih in prezentacijskih kanalov, ki jih tudi sama – podobno kot nekaj milijard ostalih zemljanov – uporablja, a jih hkrati tudi misli in analizira. Fotografije in (zadnje čase pogosteje) videi so primarno namenjeni družabnim omrežjem, zlasti Instagramu, zato so s prenosom v galerijski prostor na poti izgubili nekaj svoje instantne pristnosti, a so hkrati pridobili na dometu in zlasti na prepričljivosti svoje vsebine. Banalnost na spletu zveni mnogo resnobnejše v galerijskem okolju in Dorotea Škrabo – Škrabzi se tega dobro zaveda. Zato smo jo povabili na pogovor o njenem delu, o rabi in odnosu do družabnih omrežij, o umetnosti in življenju in še marsičem. Intervju je nastal v Projektnem prostoru Aksioma nekaj dni po odprtju razstave Prepovedano fotografiranje.
Dorotea Škrabo (1992) je vizualna umetnica rojena na Reki, ki živi in dela v Ljubljani. Ukvarja se predvsem s fenomenom slike v obdobju interneta - raziskuje odnose med novimi mediji, popularno kulturo in umetnostjo, zlasti v zvezi z omejitvami družbenih omrežij. V svojih kratkih spletnih videih razvija kritičen odnos do aktualnih trendov, poleg tega pa sodeluje na različnih umetniških razstavah. Od leta 2015 je članica umetniškega kolektiva FrešTreš. Predstavljala se je na številnih študentskih razstavah Naravoslovnotehniške fakultete in Akademije za likovno umetnost in oblikovanje, v Kinu Šiška, v Multimedijskem centru KIBLA, MoTa Pointu, Fotopub festivalu, Metricubi, CTK-RI. Trenutno končuje magistrski študij Grafičnega oblikovanja na Akademiji za Likovno Umetnost in Oblikovanje v Ljubljani.
Helena Van den Enden: Narava očisti moje misli, tako da jih nič ne zmoti.
Helena Van den Enden: Narava očisti moje misli, tako da jih nič ne zmoti. (For English version please scrool below)
Intervju
Helenino delo je rezultat komunikacije med človekom in naravo. Fotografije, ki nastajajo spontano, takorekoč kar med hojo in meditacijo, predstavljajo naravo kot najbolj iskreno ter edinstveno umetnino. Pokrajina je Helenin studio z neskončimi odločitvami ter podrobnostmi, ki jo nagovarjajo k fotografiji z analognim fotoaparatom ter ljubeznijo do narave. Sama opredeljuje svoje delo kot raziskovanje kože Matere Narave.
Helena Van den Enden je takorekoč mlada raziskovalka fotografije. Leta 2009 je diplomirala na umetniški akademiji v Rotterdamu in do danes sodelovala na številnih skupinskih razstavah na Nizozemskem in v Združenih državah Amerike. Prejela je študijsko nagrado ter izdala knjižico svojih del, posvečeno Vetru in Vodi (Water and the Wind). Njeno delo ni posvečeno zgolj raziskovanju vode in vetra, temveč tudi skalnatih površin v Španji ter predvsem zaraščenim površinam nizozemskih sipin. Za Van den Endense v njih skriva pravi labirint naravnih barvnih odtenkov, kompozicij, tekstur in ostalih likovnih prvin.
Meditacija v hoji je način dela ali proces, ki zahteva koncentracijo ter disciplino: biti spontan, a hkrati zvest svojim odločitvam, izkušnjam predvsem pa intuiciji. Slednjo je ponavadi najtežje občutiti, ter doumeti njen namen. Sprehod s Heleno, skozi sipine Wassenar mi je omogočil vpogled v njeno delo, pristop ter način komuniciranja z naravo.
Anja Podreka
Helena Van den Enden: Nature cleanses my thoughts, so none of it is disturbing.
Interview
Helena's work is the result of communication between man and nature. Photos that arise spontaneously, so to speak, as a walking in meditation, present nature as the most sincere and unique work of art. The landscape is Helen's studio with infinite choices and details which are photographed with an analogue camera and love for nature. Van den Enden defines her work as an exploration of Mother Natures Skin.
Helena Van den Enden is a young researcher of photography. In 2009 she has graduated at the Academy of Fine Arts in Rotterdam, but have participated in numerous group exhibitions (Holland and the USA), gained the academic prize and issued a booklet of her work dedicated to the Water and the Wind. Her work is not only dedicated to the research of water and wind, but also to rocky surfaces in Spain and also to grassy surfaces of Dutch dunes. Here she finds a labyrinth of natural colours, compositions, textures and other artistic elements.
Walking meditation is a way of work or process that requires concentration and discipline: To be spontaneous, but at the same time faithful to one's decisions, experiences and above all, to intuition. It is usually difficult to hear and understand its purpose. Walk with Helena, through the dunes of Wassenar gave an insight into her work, approach and a way of communication with nature.
Anja Podreka
Helena Van den Enden (1964, Nizozemska) je študirala fotografijo na Fotoacademie v Rotterdamu v letih 2006 – 2009. Tematika njenih fotografij je krajina: ta je umeščena v relativni bližini civilizacije, čas dneva v katerem fotografira je dostikrat večerna svetloba. Za fotografije, ki jih dela Van den Enden so značilna izčiščena estetika krajine v kateri preživi določeno časovno obdobje. Preko zrenja ter občutenja krajine skozi nedoločen časovno okvir se vzpostavi avtoričin odnos do zajatja trenutka fotografije. V dojemanju pokrajine kot stanja umetniškega dela sodi med avtorje, kot je npr. James Benning s svojim dojamanjem filma kot narave.
Helena Van den Enden (1964 , Netherlands) studied photography at Fotoacademie in Rotterdam in the years 2006 - 2009. The topic of her photography is landscape: this is placed in the relative vicinity of the civilization, time of day in which photographs is taken is often evening light. Van den Enden photos are characterized in the pure aesthetics of the landscape in which she spends a certain period of time through the sensation of seeing it at an indefinite time before she captures a moment of photographs. In the perception of the landscape as a state of the work of art, Van den Enden belongs to the tradition of artists as for example James Benning.
http://www.helenavandenenden.com/
Awards
2009 Photo Academy Award, 2nd overall winner
Fairs 2010
- Art Rotterdam 2010, Kahmann Gallery
Publications
Dedicated to the water and the wind 2014
Group exhibitions 2013
- Kahmann Gallery Amsterdam, Voyage
- Reframefestival, Eindhoven
Group exhibitions 2012
- Rotterdam Gallery, Rotterdam
Group exhibitions 2011
- CordonPotts Gallery, San Fransisco
- Mo&Gio, Il Soggiorno, Utrecht
Group exhibitions 2010
- Tresoar, Noorderlicht Photo Festival, Leeuwarden
- De Winkelhaak, Antwerpen
- Foto 21 Bredevoort, Bredevoort
- Crossfire Project Base, Amsterdam
Group exhibitions 2009
- Kahmann Gallery Amsterdam, Imagine
- Fotogalerie Groningen, TPAA
- Westelijk Handeslterrein Rotterdam, Photog raphy Talents 2009
- Fotogram Amsterdam, TPAA
- Fotomuseum Den Haag, TPAA